Lexique

Pour commencer, l’art moderne n’est pas arrivé par enchantement dans l’univers artistique, bien au contraire. Il est issu de longues luttes et bouleversements des conventions passées. Ainsi donc, nous parlerons « d’avant-garde ». Tout commence par la fameuse « exposition universelle » de 1951, qui eu lieu dans le Crystal palace, preuve de l’évolution technique et industrielle de la société.

Les avant-gardistes formèrent des groupes défendant leurs principes, leurs idées aux yeux de la société, l’effet de masse ayant un meilleur impact. C’est dans cette volonté de lutte que leur nouvelle vision du monde est perçue. Toutes ces ruptures des conventions anciennes ( huile sur toile, marbre etc. ) amèneront directement l’art moderne à de nouvelles approches techniques. Ainsi Picasso réalisera des séries de collage et Marcel Duchamp se contentera de présenter des objets tels qu’il les trouve avec ses « Ready Made ».

Beaucoup d’historiens d’art considèrent l’impressionnisme comme la première avant-garde; L’avant avant-garde car ils furent les premiers à renverser les conventions artistiques. L’apparition de la photographie, la maîtrises de l’association verre/acier sont également à l’origine de l’art moderne. Ce ne sont donc pas seulement les artistes qui évoluent, et la société y est sans aucun doute pour beaucoup.

Si l’impressionnisme débuta grâce à l’apparition du tube de peinture (qui permettait donc aux artistes de sortir de leurs ateliers), l'art moderne, lui, débuta avec l’apparition de l’industrialisation. L'augmentation du nombre de critiques d’art a également été un élément déterminant. En effet, par phénomène de mode, l’art fait parler, et la critique est plus pesante qu’auparavant. L’encre écoulée développe un discours engagé sur les œuvres critiquées. Les médiums explosent. L’artiste ne se contenta plus de sa toile, mais se lancera dans le cinéma, la photographie, les arts décoratifs, la céramique… Tout cela permis toujours grâce à au modernisme de la société, et donc de l’industrie et de la technologie. Les historiens d’art citent la fin de l’art moderne vers 1960, avec l’apparition du Pop art et du mouvement Fluxus. Il laissera place à l’art contemporain, qui perdure encore aujourd’hui.

La représentation de l'homme dans le domaine artistique se développe à partir de l'époque grecque où découle des proportions et un idéal humain. Dès lors, cette période influencera tous les mouvements artistiques. C'est au XVII e Siècle que le terme « Nu » apparaitra à l'école des Beaux-Arts pour définir l'être humain. Deux siècles plus tard, le Nu pris une place prépondérante dans le domaine de la peinture et de la sculpture.

Le Nu est la représentation de la vie dans son origine, c’est l’expression de la virilité, de la beauté, de la féminité, de l’éternité. Vers 35 000 avant JC, la Vénus Willendorf illustre l'une des premières sculptures de femmes nues. La représentation du Nu durant l'Art Paléolithique est surtout féminin mais est complétement faussé, les formes sont exagérées (ventre et seins proéminents qui renvoient à la fertilité). Au néolithique, la technique s'affine par l'invention de la pierre polie et de la céramique. Les représentations de Nus sont à la fois masculine et féminine. Les premières œuvres d'Art sont vraisemblablement inspirées par les pratiques religieuses, le culte des morts, et la maternité. Cette période recouvre des vestiges comme des sculptures en ivoire venue de Palestine ou d' hommes nus en terre cuite de Roumanie qui ressemble étrangement à la sculpture de Rodin nommé le Penseur.

Vers le V ème siècle, l'art Grec s'installe, le Nu et le Demi-Nu explore le monde des déesses, des guerriers sculptés dans le marbre. Inspiré de cet Art , les romains au IIe siècle s'attardent beaucoup sur le thème de la politique pour ainsi représenter des portraits, des bustes, ou des personnages habillés.
Au Moyen-âge, le chrétien se montre hostile à la représentation du Nu qui n'est pour lui qu'un simple péché où l'on perd sa décence, les corps sont recouvert d'un drapé; puis l'homme de la Renaissance fait réapparaitre le nu , il se met est au centre de tout , les artistes comme Léonard de Vinci étaient à la recherche de l'anatomie et de la beauté plastique.
Au Néoclassicisme, le Nu se limite aux idéaux révolutionnaires, David peint des Nus dans les scènes de guerres. A la même époque, Ingres scandalise en montrant une femme nue aux proportions difformées à connotation sensuelle dans une scène intime et érotique.
Mais c'est seulement à la fin du XVIIIe Siècle lors de la révolution Industrielle que les mœurs changent, la peinture Romantique s'installe.
Après la Guerre 14-18, en plus de mettre en avant la sensibilité et l'imagination du sujet, les artistes comme Pechstein décide de repartir vers une forme plus libre et expressive et ne plus répondre à un idéal de« Nu ». Le Nu se développe dans une richesse artistique.

Les impressionnistes élaborent leurs corps en fonction du mouvement de celui-ci dans une touche très expressive, les Cubistes suggèrent la forme du corps en décomposant son mouvement pour ensuite le reconstruire,comme le montre Marcel Duchamp avec le Nu dans l'escalier, le spectateur perd la perception habituelle qu'il se fait de la représentation de l'homme, les personnages sont illisibles même irréels.

C'est à partir de 1960, que les artistes du Pop-Art reprennent le thème du Nu en le situant dans un environnement où le spectateur s'attend à le rencontrer (salle de bain, chambre salon...), le Nu n'est d'ailleurs plus tabou, on en joue on se l'approprie. Selon leur époque, les artistes utilisent différentes techniques, Toujours chez les Impressionnistes, Manet cherche la vérité sur les corps humains en utilisant le clair-obscur qui permet au spectateur de mieux comprendre le volume, Pechstein, lui cerne la forme de noir et emploient des couleurs chaudes qui attirent l'observateur sur le Nu.

Plus anciennement, Ingres met en place des traits précis, avec finesse il enveloppe le corps de son ombre. Au Pop Art, les artistes comme Hamilton utilisent plutôt des couleurs superficielles qui renvoient à la société. La représentation de l'homme à permis à de nombreux artistes de s'approprier le Nu ou les personnages en explorant de nouvelles et amples voies

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Au delà des mœurs et de la représentation même d'autres artistes poussent cette délégation plus loin, comme Goya qui à travers le travail du corps reflète l'âme du personnages peint.

L’aquarelle est un procédé pictural établie à partir de pigments broyés, associés avec de l'eau gommée. Elle se pratique généralement sur un support papier épais que l'on humidifie. Pour cause le rendu se distingue de la gouache dite « opaque », grâce a ce jeux d'humidité la touche peut quasiment être transparente, L'aquarelle est très souvent utilisée pour les croquis rapides de voyage ainsi que pour les croquis d'études, car malgré la difficulté d'une application poussée l'exécution de cette technique est assez rapide, et expressive. C'est seulement au XIXe siècle, que l'aquarelle fut une technique à part entière.

Quelle est son origine?

L'aquarelle trouve son utilisation durant le Moyen âge, elle se développe tout en représentant les découvertes du Nouveau Monde dans la civilisation Chinoise, Asiatique en Orient, et même en Afrique. Les miniatures et les portraits seront deux éléments très employés durant l'extension de l'aquarelle. En France, des artistes tels que Delacroix, Géricault, Rousseau se servent de l'aquarelle lors de leurs voyages pour leurs croquis de paysage. Les Impressionnistes apprécient cette nouvelle méthode pour sa spontanéité. Les études de danseuses de Rodin au Xxème siècle montrent la liberté que l'on peut atteindre grâce à l'aquarelle qui s'appuient dans ce cas le mouvement du corps.

De quoi est-elle constituée?

Comme la peinture acrylique, la peinture à huile, pastels ou la gouache, l'aquarelle est constituée de pigments d'origine minérale ou organique, mais elle est liée part une gomme issue de la sève qu'acacia ou même de celle du cerisier. De plus elle est davantage flexible grâce au miel ou glycérine ajoutés. Associé à cette qualité, l'aquarelle a une bonne adhérence des couleurs et s'abstient de moisissures. L'aquarelle se présente sous quatre formes celle plus couteuse en tubes, puisqu'on la gâche facilement; celle en godet exploitable en grand ou petite quantité selon notre attention, très pratique pour les voyages comme l'illustre Eugènes Delacroix dans ses carnets. Le pastel aquarelle, lui se présente sous la forme d'un bâtonnet épais pour ainsi remplir plus rapidement des zones de couleur. Et pour finir celle en crayons ou craies donne une autre alternative à ce procédé celle de dessiner des détails précisément ou bien de placer les couleurs avant de les étaler avec un essuie humide.

Pourquoi l'utilise-t-on?

L'aquarelle sèche facilement mais il est cependant recommandé de procéder en plusieurs couches. On l'applique en lavis en la diluant avec de l'eau, lui donnant plus ou moins de transparence, variable selon la quantité d'eau utilisé. L'impressionniste anglais William Turner illustre avec une grande maitrise l'aquarelle. Rapporter de ses voyages en France, il se sert de cette technique pour peindre les paysages anglais avec une touche souple et vivante dont les couleurs se fondent entre elles qui lui vaudra le surnom de « peintre de la lumière ». D'autres comme le peintre graveur Albrecht Dürer ont réalisé des œuvres à l'aquarelle très poussées, c'est d'ailleurs ce maitre du XV ème siècle qui réalisa la première aquarelle en couleur qui reste vertueusement un paysage, Le Cimetière et l'Église Saint-Jean. Dès le XIXe siècle l'aquarelle atteint un succès monstre grâce à ses amples possibilités attirantes et de la douceur ce son traitement, d'où l'évidence de l'utiliser dans les livres pour la jeunesse, et dans les dessins animés.

Les outils et techniques à utiliser

Les éponges, les chiffons ou tous autres outils peuvent être utilisés pour l'aquarelle mais on procède généralement avec les pinceaux. Ceux en poil de petit gris ont une bonne rétention d'eau ; ceux en poil de martre sont appréciés pour leur pointe fine et pour finir les pinceaux en fibres synthétiques sont pratiques pour les fonds, Il existe depuis quelques années des pinceaux réservoirs en plastique qui permettent de stoker une certaine quantité d'eau qui rendent la pratique encore plus simple. Le support papier de l'aquarelle est épais, minimum 200 g/m² pour éviter les gondolements mais il est granuleux afin d' influence le dépôt des pigments et ainsi le rendu du motif. Plus le grain est épais plus il est facile de travailler l'aquarelle. Ses papiers aquarelles sont fabriqués à partir de coton ou plus économiquement a partir de cellulose tiré du bois. Malgré tout, le papier provenant de cellulose provoque le jaunissement. C'est pour cela qu'aujourd'hui, on propose des mélanges coton/cellulose (50/50 ou 25/75). D'autres fibres telles la canne à sucre et le bambou ont une capacité d’absorption de l’eau remarquable et des effets de gondolement de la feuille sont limités. Depuis quelques années sont apparues des toiles pour aquarelle

Comment l'appliquer?

Lorsqu'on travaille l'aquarelle sur papier mouillé, on l'humidifie à l'aide d'une éponge sur le recto et le verso, puis on le tend sur une planche de bois rigide à l'aide de bandes de kraft. Sec, le papier pourra être re-mouillé sans danger de gondolements. Dans une autre façon, les crayons aquarelles qui s'appliquent parfois à sec avant d'être dilués, il faut alors laisser le papier sécher d'approximativement d'une heure.L'atout de l'aquarelle est qu'il permet la transparence de la couleur. La lumière est généralement exprimée par le blanc du papier préservé. Cette technique sur un papier humidifié permet d'obtenir des surfaces aux couleurs très intenses et de les manier avec fusion. On obtient alors des fondus, des dégradés, des camaïeux.. La zone humide forme couramment une légère auréole au contour plus opaque. L'aquarelle est donc une technique de rapidité et plus généralement de compréhension des couleurs, elle obtient des effets d'interaction entre les couleurs. Il est malgré tout difficile de retoucher une aquarelle, il faut savoir éclaircir le sujet durant le travail.