Les premières natures mortes datent de la période hellénistique (IIIe et IIe siècles av. J.-C.), le plus célèbre des peintres de cette période était Piraïkos. Il peignait des boutiques de barbiers et de cordonniers, des ânes ...avec une vague allusion épicurienne, tels que des vanités dans les atriums d'été romains, où les convives invités aux repas.

Au Moyen Âge, la signification des objets caractérise directement une certaine scène biblique, ou une date précise, ou un personnage reconnu. Seuls, les trompes l'œil de Giotto par exemple, présentés dans certaines chapelles comme des bandes dessinées, réconcilient le catholicisme avec l'expression de la nature morte.

Au XVII ème siècle en Europe particulièrement, la nature morte se propagea dans les écoles puisqu'elle correspond à un sujet efficace pour apprendre à représenter le réel. L'atelier flamand de Rubens employait de nombreux peintres de natures mortes. Elles étaient caractérisés par des compositions amples de multiples objets dans de grands formats. Contrairement, les Écoles hollandaises utilisaient des petits formats ; peu d'objets, assemblés dans une composition savante. On remarquait une forte présence de la vanité à travers la présence de crâne ou d'horloge. Leur touche clair-obscur intense libérait le mystère et un important lyrisme dans leurs natures mortes.

En Espagne, les natures mortes, se présentaient essentiellement sous la forme de vanités catholiques, tandis que l'Europe du Nord, qui s'annonce protestante se consacrait à la peinture bourgeoise par le biais de paysages et surtout de natures mortes.

A l'opposé de la période médiévale, l'aspect esthétique de la peinture prend une importance primordiale. Au XVIIIe siècle, la représentation d'objets dans la peinture occidentale est constamment partagée entre le plaisir de l'imitation et celui de la symbolique. De telle manière qu'à l'Antiquité et durant la Modernité, la nature morte semble au centre de la représentation.

La symbolisation des objets dans une œuvre se perpétue au XIX ème siècle, ils caractérisent désormais la connaissance. La nature morte n'est plus perçue comme un genre secondaire, elle a désormais autant d'importance le portrait. Elle deviendra un véritable moyen pour les avant-gardistes sur les recherches formelles de la représentation. L'annonceur des cubistes, Cézanne, fut le premier a nous le montrer, il expérimente à travers la nature morte de nouvelles représentations de la perspective. Pour lui, cette expression était un motif qui se prêtait à des recherches sur l'espace, à une géométrie des volumes, à un rapport entre couleurs et formes. Il étudiait concrètement la nature.

Justement au XXe siècle, les natures mortes commencent à se composer d'une façon plus radicale, les artistes dessinent des objets simples et courants, la bougie se change en lampe à gaz.

Étonnamment, la nature morte traverse tout l'art du XXe siècle, la représentation des objets n'est plus étroitement liée à la religion, mais à la signification de la nature morte. C'est pour cela qu'on les retrouve aussi bien chez les surréalistes, que dans le pop-art ou chez les cubistes.

Encore aujourd'hui, certaines formes d'Art peuvent rentrer dans la catégorie « nature morte ». on peut citer Marchel Duchamp et ses ready-mades. Cet aspect représente bel et bien un objet anodin ou des objets assemblés ensemble à travers une expression artistique.

Avant le XIXème siècle, la nature morte était peinte pour une finalité chrétienne tout en reproduisant des objets de l'Antiquité Romaine et Grecque. La valeur symbolique de l’objet se prolongea au fil des époques et la nature morte deviendra une tendance pour la peinture française. Aujourd'hui, l'évolution de la société et de la culture fait que l'on porte un intérêt aux choses de la vie courante et que l'on va au delà d'un caractère symbolique.

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